Text by Harrie Schenning / DRU Ulft Gallery 2020
Cléo Robine does a remarkable job
From 12 October to 23 November 2020, the French artist Cléo Robine will be exhibiting her work in the DRU gallery in Ulft/The Netherlands.
It is a remarkable exhibition with a surprising use of materials.
As a committed artist, she uses disposable objects such as coloured PVC threads. Everything in her work gets a new purpose, an unexpected new life.
For her, nothing ends, but rather involves a unique beginning of existence.
She describes her home town, Brest, as a city characterised by nuances, colours and contrasts.
Colours always play an important role in her work. She was trained in tapestry and threads and colours play an important role in carpets. In her current work she makes grateful use of her original training. Later she also studied interior design. The main focus was on the use of concise forms, symmetry and geometry. The emphasis was on a structured approach and the creation of minimalist furniture, in which forms are mastered, are paramount.
Initially, she created large paintings in bright, vivid colours.
In 2010, she replaces the acrylic paint with coloured, high-contrast PVC threads, thus using an exceptionally rough and rigid material. This is the beginning of the phase in which she benefits from both her weaving technique and her painting. Because of their coherence, her thread constructions look like paintings.
Groups of threads of the same colour form surfaces. The threads create a pattern of animated lines. They often jump out of the field, which evokes the feeling of movement. Sometimes they are folded into the same representation or take a different direction.
In the chaos of the threads she creates order and harmony
In her work she searches for the essence of life.
As a sensitive artist, she appeals to a primitive human feeling or, as she says, "it is a use of the intimate and the universal". She gives the smooth, raw material the sense of the end of an era and at the same time of the unfinished, which calls for a continuation.
As a committed artist, she is aware of nature, which is in a vulnerable state of disequilibrium.
She is also aware of human injustice, which leads to fear and great suffering.
The colour palette and the use of materials have always had a deeper meaning in her work. She prefers to work in series, which she links to distinct themes. Themes allow her to shed more light on realities and, furthermore, to better understand the multiple aspects that are hidden in a reality. The hidden and the unconscious are made transparent and visible. She highlights the emptiness, the fullness, the essential, while omitting the superfluous.
According to Robine, her work is a path to liberation, offering a different vision of everyday reality.
« I pull the threads to forge links with the world »
New series : « The Link to the Connection »
"Touch the essential, not to encumber oneself with the useless or superfluous. My approach uses the intimate and the universal. I reject the description and the anecdote in favor of pictorial intensity. What matters to me is the vibration, the deep, the secret, the essential. That which animates every living being. A "life" which feeds me when touching a tree or stone. As if it is an organic need to anchor myself even deeper into Mother Earth.
For a long time, the sacred bond between the human species and its environment, always in tenuous and fragile balance, has been undermined by profit and power, generating incomprehension, intolerance and suffering. It is the very essence of my work to collect those traces and impressions left by men on a nature mistreated by its hosts, as so many trials and testimonies of the roughness of our time. Even today, indignation and anger animate me, even if I draw a certain resilience coupled with optimism and hope.
The subjects are numerous and serve as a starting point for my work. First of all there is nature in which I immerse myself to capture its palpitations. Then comes the phase of interiorization. I refocus, immersing myself in the musical universes of Joe Purdy, Marias Callas or James Newton Howard. I am then connected with myself. I watch what happens. I allow feelings to emerge. Everything happens quickly: the sketch, the colors, the choice of material, which I want to "feel" while working. I need textures, the correlation of materials such as wood, plaster, strips, but also spikes, nails, nuts, threads, ropes, fibers, juices, soups of materials. The smooth and the rough, as a kind of language between the finite and the imperfect. Then I pierce, cut, open, close, creates volume. I balance differences, I tame tensions, I reinterpret ruptures and I give meaning to every single knot. I seek to thematisize the hidden side of reality and render the unconscious visible. Henceforward, I reverse the use and place in its void emptiness and fullness, reality and appearance, the fundamental and the superfluous. The notions of limits and passage constitute the keys to decrypting my work.
Even if Chagall, Soulages and Zao Wu KI have impressed me very much, I remain close to my instincts and my truths. "Creativity is the greatest rebellion that exists. If you want to create, you have to free yourself from all conventions"(Osho). Responding to a demand for the absolute, I seek to provoke reflection, reactions, repositioning of oneself, questioning with a free gaze, freed from all shackles. My paintings are not windows to the outside but doors that open towards the inside of the mind".
Isabelle Diacre (Art Editor)
Space as principle
Cléo Robine is bridging colour gaps to transgress the chaos that matter imposes.
She goes beyond simple pictorial expressions to push the limits, creating a language vibrant of sincerity. To make the contrasts audible, to work out the traces, the signs, the imprints proves to be one of her main artistic motivations.
Cleo captures the impalpable: space as principle, subject as language, colours as signals ... And the lines that are pushed to the highest, draw the purpose of a possible and necessary poetry.
She is interested in the body, according to the scars of life, avoiding useless chatter, with the concern for the purity to the borders of minimalism. Her approach is noble and focused on the essentials. Prioritising the recycling of waste for art, she proves that nothing is finite, all begins again.
A graduate of the Ecole Boulle, this rebellious and obstinate artist, nourishes her quest for sharing, even in the silences of fallen territories.
Recently, the artist alerts us to the awakening of consciousness and this philosophy comes at the right time. As the vacuum seeks fullness, Cléo Robine fills her part, considered as necessary as breathing, to accomplish her goal, with that humility that characterizes her.
Mylène Vignon
Comtemporary Art Expert
Process
démarche
Texte de Harrie Schenning / Galerie DRU Ulft 2020
Cléo Robine fait un travail remarquable
Du 12 octobre au 23 novembre 2020, la Française Cléo Robine exposera ses œuvres dans la galerie DRU de Ulft / Pays-Bas.
Il s'agit d'une exposition remarquable avec une utilisation surprenante des matériaux.
En tant qu'artiste engagée, elle utilise des objets jetables tels que des fils de PVC colorés. Tout dans son travail reçoit un nouvel objectif, une nouvelle vie inattendue.
Pour elle, rien ne se termine, mais au contraire implique un début d'existence unique.
Elle décrit sa ville natale, Brest, comme une ville caractérisée par les nuances, les couleurs et les contrastes.
Les couleurs jouent toujours un rôle important dans son travail. Elle a été formée à la tapisserie et les fils et les couleurs jouent un rôle important dans les tapis. Dans son travail actuel, elle fait un usage reconnaissant de sa formation originale. Par la suite, elle a également étudié l'architecture d'intérieur. L'accent a été mis principalement sur l'utilisation de formes concises, la symétrie et la géométrie. L'accent a été mis sur une approche structurée et la création d'un mobilier minimaliste, dans lequel les formes sont maitrisées, sont primordiales.
Au début, elle réalise de grandes peintures aux couleurs vives et éclatantes.
En 2010, elle remplace la peinture acrylique par des fils de PVC colorés et très contrastés, elle utilise donc un matériau exceptionnellement rugueux et rigide. C'est le début de la phase dans laquelle elle bénéficie à la fois de sa technique de tissage et de sa peinture. En raison de leur cohérence, ses constructions en fils ressemblent à des peintures.
Des groupes de fils de même couleur forment des surfaces. Les fils créent un motif de lignes animées. Ils sautent souvent hors du champ, ce qui évoque la sensation de mouvement. Parfois, ils sont repliés dans la même représentation ou prennent une direction différente.
Dans le chaos des fils, elle crée l'ordre et l'harmonie
Dans son travail, elle recherche l'essence de la vie.
En tant qu'artiste sensible, elle fait appel à un sentiment humain primitif ou, comme elle le dit, "c'est une utilisation de l'intime et de l'universel". Elle donne à la matière lisse et brute le sens de la fin d'une époque et en même temps de l'inachevé, ce qui appelle une suite. En tant qu'artiste engagée, elle est consciente de la nature, qui se trouve dans un déséquilibre vulnérable.
Elle est également consciente de l'injustice humaine, qui entraîne la peur et de grandes souffrances.
La palette de couleurs et l'utilisation des matériaux ont toujours eu une signification plus profonde dans son travail. Elle préfère travailler en série, qu'elle relie à des thèmes distincts. Les thèmes permettent d'éclairer plus profondément les réalités et, en outre, de mieux comprendre les aspects multiples qu'elle recèle dans une réalité. Le caché et l'inconscient, sont rendus transparents et visibles. Elle met en évidence le vide, la plénitude, l'essentiel, tout en omettant le superflu.
Selon Robine, son travail est une voie de libération, qui offre une vision différente de la réalité quotidienne.
« Je tire les fils pour tisser des liens avec le monde »
Nouvelle série : « Le Lien à La Connexion »
« Toucher à l'essentiel, ne pas s'encombrer de l'inutile ou du superflu. Dans ma démarche se rejoignent l'intime et l'universel. J'ai le refus de la description et de l'anecdote au profit de l'intensité picturale. Ce qui m'importe c'est la vibration, profonde, secrète, essentielle. Celle qui anime tout être vivant. Une « vivance » dont je me nourris au contact de chaque arbre, de chaque pierre, comme mue par un besoin organique de m'ancrer encore plus dans la terre-mère.
Depuis longtemps le lien sacré qui unit l'espèce humaine et son environnement, dans un équilibre ténu et fragile, est mis à mal en faveur de considérations telles que le profit et le pouvoir, engendrant incompréhensions, intolérances et souffrances sur les corps et les esprits. C'est l'essence même de mon travail que de recueillir ces traces et empreintes laissées par les hommes sur une nature malmenée par ses hôtes, comme autant d'épreuves et de témoignages de la rudesse de notre époque. Encore aujourd'hui l'indignation et la colère m'animent même si j'y puise une certaine résilience doublée d'optimisme et d'espoir.
Les sujets sont donc nombreux et servent de point de départ à mon travail. Tout d'abord il y a la nature dans laquelle je m'immerge pour en capter ses palpitations. Puis vient la phase d'intériorisation, je me recentre, en immersion dans les univers musicaux de Joe Purdy, Marias Callas ou James Newton Howard, je suis alors en connexion avec moi-même. Alors j'observe ce qui se passe, je laisse émerger les ressentis. Tout arrive, vite : le croquis, une ébauche, les couleurs, le choix du matériau, avec lequel je vais me « sentir » travailler. J'ai besoin de textures, de rapports de matières, comme le bois, le plâtre, les bandes mais aussi les pointes, les clous, les écrous, les fils, les cordages, les fibres, mes jus, mes soupes de matières ; le lisse et le brut, comme une sorte de langage entre le fini et l'imperfection. Alors je perce, coupe, ouvre et entrouvre, referme, crée du volume ; harmonisant les écarts, apprivoisant les tensions, réinterprétant les ruptures, donnant du sens aux nœuds les plus singuliers. Je cherche à traiter la face cachée de la réalité à rendre visible des modèles de l'inconscient. Dès lors je renverse les usages et place en abîme le vide et le plein, la réalité et l'apparence, le fondamental et le superflu. Les notions de limites et de passage constituent les clés de décryptage de mon travail.
Même si Chagall, Soulages et Zao Wu KI m'ont fortement impressionnée, je reste au plus près de mes instincts et de ma vérité : « La créativité est la plus grande rébellion existante. Si vous voulez créer, vous devez vous débarrasser de toutes les conventions ». Osho
Répondant à une exigence d'absolu, je cherche à provoquer la réflexion, les réactions, le repositionnement de soi, les remises en question avec un regard libre, affranchi de tous carcans. Mes toiles ne sont pas des fenêtres vers l'extérieur mais des portes qui s'ouvrent vers l'intérieur de l'esprit. »
Isabelle Diacre (rédactrice artistique)
L'espace pour principe.
Cléo Robine dépasse les clivages de la couleur pour transgresser le chaos que la matière impose.
Elle dépasse la simple expression picturale pour en repousser les limites, jusqu'à créer un langage vibrant de sincérité. Rendre audibles les contraires, en travaillant sur la trace, le signe, l'empreinte, se révèle être l'une de ses principales motivations artistiques.
Cléo capte l'impalpable : l'espace comme principe, les matières comme langage, les couleurs comme signaux… Et les lignes qu'elle repousse au plus haut, dessinent le propos d'une poésie possible et nécessaire.
Elle s'intéresse au corps, en fonction des cicatrices de la vie, en évitant les bavardages inutiles, avec le souci de l'épure jusqu'aux frontières du minimalisme. Sa démarche est noble et tournée vers l'essentiel. Privilégiant la réappropriation du déchet par l'art, elle prouve que rien n'est fini, tout recommence.
Diplômée de l'Ecole Boulle, cette plasticienne révoltée et opiniâtre, nourrit sa quête de partage, jusque dans les silences des territoires déchus.
Récemment, l'artiste déclenche son alerte pour l'éveil des consciences et cette philosophie tombe à point nommé. Comme le vide recherche le plein, Cléo Robine remplit sa partition comme une respiration nécessaire à l'artiste pour l'accomplissement de son objectif, avec cette humilité qui la caractérise.
Mylène Vignon
Expert en art contemporain